Biblioteca y más Música

Mariza vuelve a las raíces del Fado

2012-01-17T12:52:00.000+01:00

Mariza

Fado tradicional

EMI (2010)

"Fado is now widely recognized, nationally as well as internationally, as a major hallmark of Portuguese Culture. Historically, however, this recognition took a long time to achieve (...) In the 1910s and 20s, and particularly in the following two decades, with the advent of radio and of the talking pictures, the genre spread throughout the country. In Lisbon itself, it was now mostly performed in a network of small restaurants with a resident artistic staff of profesional Fado singers and guitar players. The repertory itself was greatly expanded, with a number of new melodies that are now generally known as "traditional fados" and that constitute to this day a sort of essential Great Fado Songbook, being taked by each new generation of performers as the central legacy of the Fado tradition."
Rui Vieira Nery

Mariza - Promete, jura

Nuestros vecinos portugueses tienen bastantes cosas buenas pero, sobre todo, tienen el fado. Ese género popular, apasionado e inconfundible, declarado recientemente por la Unesco como Patrimonio Cultural Inmaterial. Es sin duda la seña de identidad de Portugal, un estilo musical fácilmente identificable por sus melodías cargadas de nostalgia y sus letras fatalistas y desgarradas. En palabras de Amália Rodrigues, la Reina del Fado, "el fado es una cosa muy misteriosa, hay que sentirlo y hay que nacer con el lado angustioso de las gentes, sentirse como alguien que no tiene ni ambiciones, ni deseos, una persona...como si no existiera. Esa persona soy yo y por eso he nacido para cantar el fado".

Mariza - As meninas dos meus olhos

Criticada por algunos y alabada por otros, Mariza es seguramente la fadista más popular en la actualidad. Nacida en Mozambique en 1973, creció en el barrio de la Mouraria de Lisboa, donde inició su formación musical, al principio más interesada en géneros como el gospel, el r&b y la música brasileña. Su reconocimiento a gran escala se produce en 1999, durante los actos en homenaje por la muerte de Amália Rodrigues, y la consolidación vendrá en 2001 con la publicación de su primer disco, Fado em mim. Mariza siempre ha aspirado a conseguir un estilo propio, entre la tradición y la modernidad, y son muchas las muestras que nos ha dejado de ese intento de fusión y mestizaje. Entre sus abundantes colaboraciones podríamos citar a José Mercé, Concha Buika, Miguel Poveda y Sting, o también su presencia en la película Fados de Carlos Saura.

Mariza - Ai, esta pena de mim

"Mariza goes back here, therefore, to the very roots of classical Fado, diving completely into the most authentic and time-honored traditions of the genre of which she is now an acclaimed exponent. But at the same time she remains attentive to an emerging generation of young Fado composers like Sérgio Dâmaso, and stimulates her accompanists to provide her in her journey with a thoroughly contemporary (and sometimes even daringly experimental) instrumental backing. Once again she offers us her utterly unique blend of old and new, but as always only the best."
Rui Vieira Nery

En la Biblioteca tenemos una interesante colección de discos de fados. Te recomendamos algunos de ellos:

Algunas propuestas musicales para estas Navidades

2011-12-21T15:21:00.000+01:00

Ya tenemos otra vez las fiestas navideñas encima y, como casi siempre, desde la Biblioteca aprovechamos para recomendaros algunas de nuestras últimas adquisiciones musicales. En esta ocasión además nos gustaría que esto sirviese de pretexto para recordar a dos compañeras, dos amigas, Paloma Crego y Mercedes García, que nos han dejado este año. Esperemos que el 2012 venga cargado de buenas sensaciones y nosotros seguiremos aquí escribiendo sobre música.

Wynton Marsalis & Eric Clapton

Play the blues

Rhino (2011)

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Dos grandes figuras, una del jazz y otra del rock, se unen para interpretar una buena colección de clásicos del blues. El cd y el dvd recogen sus actuaciones en el Lincoln Center de New York.

Wynton Marsalis & Eric Clapton - Corrine, Corrina

Los Coronas & Arizona Baby

Dos bandas y un destino

Subterfuge (2011)

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La alianza de estas dos bandas nos depara un disco en directo excitante, un conjunto de versiones rockeras de temas muy variopintos.

Los Coronas & Arizona Baby - Wish you were here

Jackie Wilson

The very best of

Brunswick Records (2004)

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Un completo recopilatorio de uno de los más brillantes cantantes de soul y r&b.

Jackie Wilson - Reet petite

Kings of Convenience

Riot on an empty street

Astralwerks (2004)

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Este dúo noruego de pop-folk es altamente recomendable para escuchar en momentos de tranquilidad y relajación.

Kings of Convenience - I'd rather dance with you

Portishead

Dummy

Go! Discs (1994)

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El más aclamado de los discos de esta banda de trip-hop y música electrónica.

Portishead - Sour times

Magdalena Kozená

Vivaldi

Deutsche Grammophon (2009)

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La estupenda mezzo-soprano checa nos deleita con su repertorio de arias de Vivaldi.

Magdalena Kozená - Vivaldi arias

Ballaké Sissoko & Vincent Segal

Chamber music

Six Degrees Records (2011)

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La perfecta armonía entre kora y chelo nos brinda un disco hermoso y sorprendente.

Ballaké Sissoko & Vincent Segal - "Ma-Ma" FC

VV.AA.

¡Chicas! : spanish female singers 1962-1974

VampiSoul (2011)

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Un recopilatorio impagable que recoge una buena muestra de "perlas" musicales de nuestras chicas ye-yé.

Pili y Mili - Un chico moderno

Dos recopilatorios imprescindibles

2011-11-22T16:30:00.000+01:00

En esta ocasión os presentamos dos completas antologías de sendos estilos musicales, el garage y el punk, distanciados en el tiempo por una década, pero con bastantes elementos en común. Ahora que abundan las producciones artificiosas y excesivas, resulta gratificante regresar a estas corrientes musicales rebosantes de pasión, energía y, sobre todo, frescura. El garage rock surge a mediados de los 60 y en esencia es la versión estadounidense de la British Invasion. Los grupos garageros practicarán una forma de rock & roll muy directa, caracterizada por la sencillez y la crudeza. Algunas bandas, como The Stooges o MC5, optarán por ritmos más agresivos y acelerados, convirtiéndose así en el nexo de unión entre garage y punk. Aunque conceptualmente el punk se originó en Estados Unidos a mediados de los 70, alcanzó su popularidad y reconocimiento en el Reino Unido. Sin duda, este movimiento primitivo y salvaje, cargado en ocasiones de excesos, supuso una de las mayores revoluciones sonoras y estéticas de la historia del rock.

VV.AA.

Garage rock classics

Varese Sarabande (2004)

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"Garage rock! In the classic sense, the term refers to the heyday of North American mid-sixties rock & roll; a period which began within minutes of The Beatles' first Ed Sullivan appearence and faded from sight before the riotous summer of '68. In that short span of just over four years, tens of thousands of teenagers and 20-somethings clustered in fours and fives to ferment their own sound in the nation's basements, dens, bedrooms, barns, sheds and, yes, garages. From these suburban sound laboratories emerged some of the era's most exciting and vital music, be it three-chord thrash to shake 'em on down by at the local dance, sublime pop melodies, or the weirder sonic experiments of those wading into darker, untested waters. In the garage, with the door pulled down and the Vox and Fender amps cranked up, you could play whatever you wanted."
Mike Stax

The Kingsmen - Louie, Louie

The Shadows of Knight - Gloria

The Count Five - Psychotic reaction

VV.AA.

Punk : 1977-2007

Music Brokers (2007)

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"Tras el impacto del rock & roll a mitad de la década de los 50 y la psicodelia a mediados de los 60, el punk fue la tercera gran revolución que aconteció en el seno de la cultura rock (la restante y, hasta ahora, última ha sido la explosión del house, las raves y la electrónica a principios de los 90) (...) El punk causó todo un estallido mediático en Gran Bretaña a base de escándalos y provocación, y ese impacto lo popularizó en el resto del mundo, al principio más como nota de color que como movimiento estético y musical. De todos modos, la llegada del punk marca un antes y un después en el rock, cuyos efectos se pueden apreciar hasta la actualidad."
The Professor

Sex Pistols - Anarchy in the U.K.

The Damned - New Rose

Dead Kennedys - Too drunk to fuck

Alberto Iglesias, el coleccionista de Goyas

2011-10-21T13:43:00.014+02:00

Alberto Iglesias

La piel que habito

Quartet Records (2011)

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"El músico Alberto Iglesias, el único artista que conozco sin ego, incansable, versátil, paciente, capaz de buscar en una dirección para después buscar en la dirección opuesta si yo no estaba satisfecho, siempre supeditado al dictado de la historia y de mi modo de sentirla."
Pedro Almodóvar

Alberto Iglesias - Los vestidos desgarrados

El compositor vasco Alberto Iglesias, uno de los más brillantes creadores de música cinematográfica de nuestro país, se ha convertido en los últimos años en un rostro conocido debido a los numerosos premios concedidos a sus bandas sonoras. Seguramente tendrá problemas de espacio en su casa para guardar sus nueve Premios Goya, de un total de once nominaciones, otorgados por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España. En concreto por las películas La ardilla roja (1993), Tierra (1996), Los amantes del círculo polar (1998), Todo sobre mi madre (1999), Lucía y el sexo (2001), Hable con ella (2002), Volver (2006), Los abrazos rotos (2009) y También la lluvia (2011). En esta relación puede apreciarse su habitual y productiva colaboración con los directores Pedro Almodóvar y Julio Medem. Otra asociación con muy buenos resultados fue la que mantuvo con Nacho Duato cuando dirigía la Compañía Nacional de Danza.

En el ámbito internacional empieza a reconocerse su trabajo, sobre todo desde que obtuvo las nominaciones a los Oscar y los Bafta por The constant gardener (2005) y The kite runner (2007). Otro galardón importante es el Premio Nacional de Cinematografía que se le concedió en 2007.

La piel que habito es su última aportación a Almodóvar, un trabajo complicado que transmite cierta confusión y que refleja con solvencia el universo extremo de los personajes de la película. Según Conrado Xalabarder, "Alberto Iglesias ha escrito, pues, una partitura cuyo caos es muy ordenado y cuya desestructura acaba por estar muy estructurada. Todo ello, por cierto, en conformidad con la singular forma narrativa del guión literario".

Alberto Iglesias - Créditos / La identidad inaccesible

En la Biblioteca puedes encontrar más bandas sonoras de Alberto Iglesias, como The kite runner, Volver, The constant gardener, Lucía y el sexo y Todo sobre mi madre.

R.E.M. dice adiós

2011-09-23T13:17:00.015+02:00

"To our fans and friends: as R.E.M., and as lifelong friends and co-conspirators, we have decided to call it a day as a band. We walk away with a great sense of gratitude, of finality, and of astonishment at all we have accomplished. To anyone who ever felt touched by our music, our deepest thanks for listening."
R.E.M.

El pasado miércoles 21 de septiembre los integrantes de R.E.M. anunciaron públicamente la disolución definitiva del grupo. Así finalizaba un proyecto que comenzó en 1980 en Athens (Georgia). No vamos a extendernos ponderando las numerosas virtudes de Michael Stipe y compañía, sobre todo porque me considero un fan incondicional y mis opiniones no serían objetivas. La trayectoria de R.E.M. ha sido larga y fructífera, aunque se aprecian tres etapas diferentes. En los años 80, en plena efervescencia post-punk, pronto se convertirán en una banda de culto y en los mejores representantes del rock alternativo en EE.UU. Los 90 suponen su eclosión a nivel internacional, un nuevo estatus de estrellas mediáticas, y la época donde componen sus temas más comerciales y populares. La primera década de este siglo es más irregular en su faceta creativa, con trabajos decentes que no consiguen alcanzar el esplendor de épocas pasadas. Aun admitiendo estos altibajos, nunca podremos negarles su inmenso talento y la creación de un estilo único e identificable.
¡Os echaremos de menos!
A continuación os mostramos unos vídeos con algunas de sus canciones más reconocibles. La lista para elegir era muy extensa, pero no había espacio para todas.

Radio Free Europe
Murmur (1983)

The one I love
Document (1987)

Stand
Green (1988)

Losing my religion
Out of time (1991)

Everybody hurts
Automatic for the people (1992)

"We built something extraordinary together. We did this thing. And now we're going to walk away from it. I hope our fans realize this wasn't an easy decision; but all things must end, and we wanted to do it right, to do it our way. We have to thank all the people who helped us be R.E.M. for these 31 years. our deepest gratitude to those who allowed us to do this. It's been amazing."
Michael Stipe

Electrolite
New adventures in Hi-Fi (1996)

Walk unafraid
Up (1998)

ÜBerlin
Collapse into now (2011)

Es una ocasión inmejorable para escuchar la música de R.E.M., y en la Biblioteca tenemos una buena selección de sus discos, como Murmur, Out of time, Automatic for the people, Monster, Up, Reveal y In time: the best of R.E.M. 1988-2003. También hay algunas bandas sonoras en las que participó el grupo, en concreto Man on the moon, Vanilla sky y Until the end of the world.

El verano se acaba...pero nos queda la Música

2011-08-31T13:02:00.018+02:00

Asa

Beautiful imperfection

Naïve (2010)

WWW

Asa - Be my man

Pearl Jam

Live on ten legs

Monkeywrench (2010)

WWW

Pearl Jam - Alive

Buddy Guy

The definitive

Shout! Factory (2009)

WWW

Buddy Guy - Damn right, I've got the blues

Nacho Vegas

La zona sucia

Marxophone (2011)

WWW

Nacho Vegas - La gran broma final

Razia

Zebu nation

Cumbancha (2010)

WWW

Razia - Yoyoyo

VV.AA.

Tous les matins du monde

Alia Vox (2001)

WWW

Jean-Baptiste Lully - Marche pour la cérémonie des Turcs

Glenn Miller y la era del Swing

2011-07-18T14:58:00.019+02:00

Glenn Miller

Greatest hits

BMG (1996)

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"Glenn Miller was leader of the most popular dance band of all time. By any standard, his impeccable musicianship, advanced arranging skills and choice of players combined to produce the most memorable, best selling records of his generation. In the Mood, Moonlight Serenade (his theme song), Tuxedo Junction, Chattanooga Choo Choo and Kalamazoo are much more than five (of his unprecedented 22) number one chart hits. They define an era."
Chick Crumpacker

Glenn Miller - In the mood

La historia de Glenn Miller (1904-1944) es la de un músico de jazz que alcanzó el estrellato y que, estando en el nivel más alto de popularidad, desapareció en extrañas circunstancias. Su vida quedó plasmada en 1953 en la película The Glenn Miller story (en España titulada Música y lágrimas), donde James Stewart interpretaba el papel principal. Aunque tocaba varios instrumentos (decantándose por el trombón), sin embargo su principal mérito fue el de liderar una Big Band durante la época dorada del swing. Además consiguió diferenciarse del resto con un sonido característico al utilizar el clarinete como línea melódica con el acompañamiento de los saxos.

Glenn Miller comenzó su carrera profesional en la orquesta de Ben Pollack, en la cual coincidiría con el clarinetista Benny Goodman (conocido como el Rey del Swing). Tras un período de incertidumbre y decepción, en 1938 crea su propia banda, y desde ese momento siempre estará acompañado por el éxito, debido en parte a la enorme difusión que tuvo su música a través de la radio. Clásicos como In the mood o Moonlight serenade no han dejado de sonar desde entonces. En 1942 Miller decide participar en la Segunda Guerra Mundial, y es nombrado capitán de las Fuerzas Aéreas. Su labor consistirá en organizar una orquesta para animar a las tropas que estaban en el frente. En diciembre de 1944, mientras volaba sobre el Canal de la Mancha con dirección a París, su avión desapareció misteriosamente. Nunca se encontraron los restos del accidente, lo cual ha servido para generar todo tipo de leyendas y especulaciones.

Glenn Miller - I've got a gal in Kalamazoo

"Miller gave his band a distinctive sound. In Miller's music, the clarinet and tenor saxophone contribute to the melody while saxophones play a complementary harmonic line. This aspect of the band's sound made the Glenn Miller Orchestra's music recognizable, distinguishing it from that of other groups."
Glenn Miller Official Site

Glenn Miller nunca ha gozado del agrado de la crítica especializada, pero no debemos desmerecer su talento ni la gran popularidad que tuvo entre sus coetáneos. Esta colección de Greatest hits nos permite conocer el sonido de una época, gracias a quince temas grabados entre septiembre de 1938 y julio de 1942.

Además en la Biblioteca te ofrecemos otros discos de artistas que desarrollaron su trabajo durante la era del swing:

Hoy es el Día de la Música

2011-06-21T13:47:00.023+02:00

Ya ha llegado el verano, y con el calor estival coincide la celebración del Día de la Música, fiesta que en España en los últimos años tiene nombre de cerveza (será para mitigar la sed). Aprovechando esta circunstancia os ofrecemos algunas propuestas musicales, una pequeña muestra de las últimas incorporaciones a la colección de la Biblioteca.

The Boss y la E Street Band vuelven a la carga con este disco de canciones inéditas y versiones de temas clásicos de álbumes como Darkness on the Edge of Town.

Bruce Springsteen

The promise

Sony (2010)

WWW

Bruce Springsteen - Ain't good enough for you

Una mezcla explosiva de hip-hop, R&B y funk conforman esta joya de neo-soul del cantante de Gnarls Barkley.

Cee Lo Green

The lady killer

Elektra (2010)

WWW

Cee Lo Green - Fuck you

El dúo francés de música electrónica compone la banda sonora de esta secuela de la conocida película de principios de los 80.

Daft Punk

Tron legacy

Walt Disney Records (2010)

WWW

Daft Punk - Derezzed (Tron legacy)

La banda andaluza demuestra en su primer larga duración estar entre lo mejorcito del indie-pop nacional.

Supersubmarina

Electroviral

Sony (2010)

WWW

Supersubmarina - XXI

Dos genios de la música de Mali nos regalan este viaje sonoro a los orígenes de la cultura popular contemporánea.

Ali Farka Touré & Toumani Diabaté

Ali & Toumani

World Circuit Production (2009)

WWW

Ali & Toumani - Kala Djula

Un recopilatorio de un grupo imprescindible en la historia del pop-rock.

The Smiths

The sound of

Warner (2008)

WWW

The Smiths - There is a light that never goes out

El encantador Rockabilly de Imelda May

2011-05-31T15:36:00.017+02:00

Imelda May

Mayhem

Decca (2010)

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"The problem with an artist like Imelda May is that she's so good, it makes a critical review almost impossible to write; her performance is flawless."
Clash Magazine

Imelda May - Mayhem

Hace aproximadamente un año que escuché por primera vez una canción de Imelda May, y me pareció estupenda. Poco después tuve la ocasión de ver algunos de sus vídeos, que corroboraron mis excelentes expectativas iniciales. Y es que esta irlandesa nacida en Dublín en 1974 es una de las sensaciones musicales del momento, auténtica revitalizadora del rockabilly, fusionado acertadamente con elementos del jazz, el blues o el soul. Sin duda, irresistible.

"Imelda May, born in Dublin and raised in the Liberties, may be an unknown name to some, but to many she is already a superstar. She is unmistakable both in her music (a fusion of surf guitars, blues and rockabilly that wouldn't be out of place in a David Lynch film) and her style, with a solitary curl and shock of blonde in her jet black hair."
Imelda May Official Website

Imelda May - Tainted love

Estamos ante una artista singular, con una estética peculiar y rebosante de sensualidad y que, además de cantar con una voz espléndida, toca el bodhrán (un tipo de tambor irlandés) y compone sus propias canciones. Imelda May busca sus influencias fuera de su Irlanda natal, y las encuentra en el rock & roll (Buddy Holly o Eddie Cochran), el blues (Elmore James) y el jazz (Billie Holiday). En 2008 publica Love tattoo, un éxito de crítica y público en Irlanda, donde llega a lo más alto de las listas de ventas y le impulsa para conseguir en 2009 el premio a la mejor cantante femenina en los Meteor Awards. En 2010 aparece Mayhem, que también alcanza el número uno. Últimamente es habitual de diversos festivales y conciertos, compartiendo escenario y gira con artistas como Jeff Beck o Jamie Cullum.

Imelda May - Johnny got a boom boom

"Her new album Mayhem sees Imelda continue to develop her uniquely modern fusion of classical musical genres. The record not only showcases her exceptional songwriting ability, but also displays some more disparate influences, with first single Psycho seeing Imelda channel the spirit of early PJ Harvey, whilst the heartbreakingly poignant Kentish Town Waltz conjures an image of Chrissie Hynde at her most reflective."
Imelda May Official Website

En la Biblioteca también encontrarás el anterior disco de Imelda May, el aclamado Love tattoo.

Recordando a Enrique Morente

2011-05-03T15:41:00.016+02:00

Enrique Morente

+ Flamenco

Universal (2010)

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"Morente estaba considerado como uno de los grandes renovadores del flamenco y, a la vez, como uno de los más grandes y brillantes cantaores de todos los tiempos, a la altura de uno de sus grandes amigos, el desaparecido hace casi 20 años Camarón de la Isla, al que admiraba profundamente. El cantaor granaíno ahora también nos deja huérfanos. Pero nos deja un legado inconmensurable, el de ser uno de los pioneros en cantar a los poetas y el mejor en adaptar poemas cultos, la fusión del cante jondo con el rock, la música árabe o la latinoamericana, en definitiva, el combinar su conocimiento de la tradición ortodoxa con una inquietud investigadora que lo hizo ser uno de los máximos responsables de la renovación del cante."
Laura G. Torres

Enrique Morente en una de sus últimas grabaciones

Hace casi cinco meses que murió Enrique Morente y sería injusto no dedicarle unas líneas. Si algo definía al cantaor granadino era su inquietud y su constante renovación, su firme convicción de no querer "cantar siempre lo mismo". Desde sus inicios en Granada hasta su consolidación en Madrid en escenarios como el Café de Chinitas, Morente recorrió un camino que le llevó de la ortodoxia a la libertad. Buscó la inspiración en la poesía de Miguel Hernández, García Lorca, los Machado, Lope de Vega, San Juan de la Cruz, Rafael Alberti o José Hierro. Amplió su repertorio al fusionar su cante flamenco con artistas del mundo del rock como Lagartija Nick (su imprescindible Omega de 1996), Sr. Chinarro, Los Planetas, Amaral o Sonic Youth. Y colaboró en destacados proyectos teatrales y cinematográficos con Miguel Narros, José Luis Gómez o Carlos Saura. Todo este caudal creativo recibió su recompensa con el reconocimiento del público y con la obtención de galardones como el Premio Nacional de Música en 1994, la Medalla de Andalucía en 2005 o la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2006.

Enrique Morente y Rafael Riqueni

"La pasión por las artes se manifiesta a lo largo de toda la obra de Morente. Una pasión única en la historia del flamenco. No por afán de originalidad y de estar a la moda, sino por la necesidad de Morente de unir aquello que más ama en la vida, que es el flamenco, de unirlo al teatro, al cine, a las músicas, a la poesía llamada culta, a todas las artes, al arte en definitiva, porque como él mismo ha declarado en muchas ocasiones: "Yo creo que no hay músicas aparte, ni arte aparte". Cuando digo unir, no me estoy refiriendo exclusivamente al término de fusión, de fusionar, sino también al diálogo y al encuentro con otras artes. También me refiero a adaptar. Adaptar música, ecos, sonidos y soniquetes flamencos a las empresas artísticas paras las que se solicita la extraordinaria capacidad creativa de Morente, a la manera como se solicita a un compositor de música la banda sonora de una película, o los efectos sonoros que acompañan a un espectáculo determinado."
Balbino Gutiérrez

+ Flamenco, producido entre febrero y mayo de 2010, es una de las últimas aportaciones de Enrique Morente. Es una recopilación de cantes inéditos en directo, grabados entre 1984 y 1994. Recoge actuaciones en diversos encuentros como Cumbre Flamenca (1984), Chambao Flamenco (1989), Homenaje a Luis Rosales (1989), Veranos de la Villa (1989) o VI Bienal de Flamenco (1990). Entre los acompañantes de Morente destacan Mario Maya al baile, Alain Pérez al bajo, y las guitarras de Manolo Sanlúcar, Rafael Riqueni, Montoyita, Pepe Habichuela y Paco Cortés. El disco acaba de recibir el Premio al Mejor Álbum Flamenco 2011 que otorga la Academia de la Música Española.

"Morente + Flamenco se va a los libertarios tiempos de aquel Madrid post-movida, de aquella Andalucía pre-AVE, cuando se afinaba el flamenco más contemporáneo, con uno de sus protagonistas esenciales. El Foro mantenía la vanguardia jonda gracias al tesón de flamencos que, en tiempos no propicios, supieron venirse arriba uniéndose a todo proyecto de futuro, aún sabedores de que "la cosa estaba cortita"; más que ganar, a veces hubieron de poner dinero. Lugares para el recuerdo serán el Café de Silverio, en el movido barrio de Malasaña, y la actual casa Candela. Allí se forjaron sueños como la Cumbre Flamenca, donde se inicia nuestro recorrido histórico, en el año 1984, con un Morente pletórico, joven de cuerpo y espíritu, acompañado por el paisano Paco Cortés."
José Manuel Gamboa

Reportaje sobre Enrique Morente en "Al Sur"

Puedes escuchar en la Biblioteca más música de Enrique Morente, como Pablo de Málaga, Omega, Sueña la Alhambra, Esencias flamencas y Homenaje flamenco a Miguel Hernández. También su participación en antologías como El mejor nuevo flamenco, Discopolis 5000, Quejío y Lo mejor del nuevo flamenco. Además de su colaboración en los trabajos de artistas como Los Planetas (Una ópera egipcia), Pepe Habichuela (Pepe Habichuela), Estrella Morente (Mi cante y un poema) y Juan Habichuela (Campo del príncipe).

Esta Semana Santa os recomendamos...

2011-04-14T14:35:00.016+02:00

Jeff Beck

Best of Beck

Sony (1995)

WWW

Jeff Beck & Sting - People get ready

Delorean

Ayrton Senna

Mushroom Pillow (2010)

WWW

Delorean - Deli

Melody Gardot

My one and only thrill

Decca (2009)

WWW

Melody Gardot - Baby I'm a fool

Hans Zimmer

Inception

Watertower Music (2010)

WWW

Hans Zimmer - Inception

Angelique Kidjo

Oyo

Razor & Tie (2010)

WWW

Angelique Kidjo - Move on up

Tomatito

Sonanta suite

Universal (2010)

WWW

Tomatito - Sonanta suite

Marc Cohn

Listening booth 1970

Saguaro Road Records (2010)

WWW

Marc Cohn - Wild world

Sandrine Piau

Vivaldi!

Naïve (2010)

WWW

Antonio Vivaldi - Motet in furore iustissimae irae RV 626
Sandrine Piau (soprano)

Girl Groups de los 60 : Pop, Soul y glamour

2011-03-29T16:31:00.017+02:00

The Ronettes - Be my baby

"Just prior to the stateside landing of the guitar-obsessed British Invasion, a vast contingent of alluring young female singers thoroughly conquered the nation's rock and roll airwaves. No glass ceiling impeded these budding chanteuses; wheter harmonizing enticingly in groups or commanding the solo spotlight, the early 60's were dominated by girls, girls, girls."
Bill Dahl

Martha Reeves & The Vandellas - Nowhere to run

The Crystals - Da doo ron ron

El conocido como sonido "girl group" se desarrolló fundamentalmente durante la primera mitad de la década de los 60, coincidiendo su declive alrededor de 1965 con la llegada de la British Invasion comandada por The Beatles y The Rolling Stones. Básicamente consistía en grupos formados por cantantes femeninas, con una solista principal y el resto ejerciendo de coro. Se rodeaban de músicos de estudio y de un destacado equipo de compositores y productores. El resultado eran canciones sencillas y muy pegadizas, con ritmos bailables y letras generalmente simplonas e ingenuas, cuyo objetivo era alcanzar el éxito inmediato en las listas de ventas.

The Supremes - Where did our love go

Este fenómeno musical no surge de la nada, sino que aprovecha la herencia legada por los grupos vocales de los años 50 como The Platters. Se suele mencionar a The Chantels como la primera formación de este estilo, pero serán The Shirelles en 1961 las primeras en llegar al número uno de las listas. La clave del boom de estos grupos estuvo en parte en la maquinaria que tenían detrás, con excelentes compositores y productores como Phil Spector (The Ronettes, The Crystals, The Blossoms), Leiber y Stoller (The Dixie Cups, The Shangri-Las, The Exciters) o la factoría Motown (The Marvelettes, The Supremes, The Vandellas, The Velvelettes).

Little Eva - The loco-motion

The Exciters - Tell him

Además de los mencionados anteriormente, la lista de grupos podría ser interminable. Citaremos a The Angels, The Chiffons, The Toys, The Raindrops, The Cookies, The Murmaids, The Honeys, The Caravelles, The Ad Libs, The Jaynetts, The Jelly Beans, The Sapphires, The Delrons, The Innocents...También se unieron a esta corriente algunas solistas como Little Eva, Lesley Gore, Mary Wells, Barbara Lynn, Betty Everett o Linda Scott.

Para apreciar la música de estos "grupos de chicas", en la Biblioteca encontrarás los discos The best of the Girl Groups y Girls! Girls! Girls!. También los recopilatorios de dos destacadas formaciones como son Diana Ross & The Supremes y Martha Reeves & The Vandellas. Si aún te quedan fuerzas puedes acudir a compilaciones de soul como Motown 50th anniversary o Stax 50th anniversary celebration.

¡And the Oscar goes to...!

2011-03-10T15:46:00.020+01:00

Trent Reznor & Atticus Ross

The social network

Null (2010)

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La red social, la película que describe los orígenes de Facebook, fue una de las grandes perdedoras en la reciente gala de entrega de los Oscars, teniendo que conformarse con tres estatuillas entre las que destacaba la correspondiente a mejor banda sonora original. Esto supuso una relativa sorpresa pues, aunque algunas semanas atrás también se adjudicó el equivalente Globo de Oro, se trata de una composición musical demasiado alternativa y arriesgada para el gusto habitual de los miembros de la Academia. Predominan los sonidos oscuros y discordantes, obtenidos con medios electrónicos que acompañan con acierto al universo tecnológico de las redes sociales que se refleja en la película.

T. Reznor & A. Ross - Hand covers bruise

"This is what Atticus and I have been working on for the last few months. We had a great time working with David Fincher on this and the film turned out excellent, something we're very proud of. Musically, this all came out of our secret laboratory, electronic in basis, but mostly organic sounding. Lots of experiments and emphasis on sound fraying around the edges while focusing on the proper emotional tone for the various scenes."
Trent Reznor

El gran artífice es Trent Reznor, músico y compositor estadounidense, ingeniero de sonido y productor, conocido por ser el líder del grupo Nine Inch Nails. Un personaje creativo y vitalista que se mueve entre el rock industrial y la electrónica experimental. Junto a él, el artista británico Atticus Ross, especializado en electrónica alternativa, y colaborador de NIN durante los últimos años en la producción y la programación. La experiencia ha sido tan positiva que ya se han comprometido para componer la música de la próxima película de David Fincher, una nueva adaptación de la novela The girl with the dragon tatoo de Stieg Larsson. Por otra parte, Reznor, su esposa Mariqueen Maandig y Ross formaron en 2010 un grupo llamado How to Destroy Angels.

T. Reznor & A. Ross - A familiar taste

Si te ha gustado The social network, desde la Biblioteca te proponemos las siguientes ideas:

Escuchar Inception de Hans Zimmer, otra de las nominadas este año.
Leer algo sobre las redes sociales, como por ejemplo Faceboom: Facebook, el nuevo fenómeno de masas de Juan Faerman.
Consultar nuestro post del año pasado sobre Bandas Sonoras de Oscar.
Escuchar algunas bandas sonoras también compuestas por artistas del mundo del pop-rock, como Tron legacy de Daft Punk, Into the wild de Eddie Vedder, Passion de Peter Gabriel, Once de Glen Hansard o Selmasongs de Björk.
Finalmente, aunque todavía no esté disponible, ver la película. Seguro que en breve la Biblioteca dispondrá de una copia.

Howlin' Wolf, el "aullador" del Blues

2011-02-16T15:43:00.016+01:00

Howlin' Wolf

The definitive collection

Geffen Records (2007)

Localízalo en la Biblioteca

Howlin' Wolf - Smokestack lightnin'

"When I heard him, I said, This is for me. This is where the soul of man never dies. His eyes would light up and you'd see the veins on his neck and buddy there was nothing on his mind but that song. He sang with his damn soul (...) Once the beat got going, he would hypnotize himself and he did things musically that you wouldn't believe. He knew that he couldn't really talk to people except to enclose it in music."
Sam Phillips (WREC Memphis)

Howlin' Wolf - Shake for me

Chester Arthur Burnett (1910-1976), más conocido como Howlin' Wolf, no era un tipo cualquiera. Con sus casi dos metros de estatura y sus más de 135 kilos de peso, tenía una figura imponente, a la cual añadía una voz rasgada y profunda. Realmente inimitable, su estilo era vigoroso y abrasivo, un torrente desbordante que le situó junto a su coetáneo Muddy Waters en la élite del llamado Chicago blues. Nunca fue un virtuoso, más bien rudimentario, pero su música transmite autenticidad y es capaz de moverse con soltura entre el primitivismo y la modernidad.

Howlin' Wolf - How many more years

Como tantos otros, Howlin' Wolf nació en la zona del Delta en una familia humilde de plantadores de algodón. Allí aprendería a tocar la guitarra con el mítico Charley Patton y la armónica con su cuñado Sonny Boy Williamson II. Alternó el trabajo en el campo con la música, coincidiendo en algunos conciertos con artistas como Robert Johnson o Elmore James, hasta que a principios de los años 50 se trasladó a Chicago para firmar por el sello Chess. Creó una banda cuya formación sufrió constantes cambios, salvo colaboradores habituales como el guitarrista Hubert Sumlin o el bajista y compositor Willie Dixon. En su vida privada, Wolf fue un bluesman atípico, que gozó de cierta popularidad, sin problemas financieros y que nunca se dejó llevar por los excesos. Su legado es notable y entre sus admiradores reconocidos están The Rolling Stones, Eric Clapton y Cream, Steve Winwood, Jimi Hendrix, Grateful Dead, The Doors o Creedence Clearwater Revival. Para la estadística, ingresó en 1980 en el Blues Hall of Fame, en 1991 en el Rock & Roll Hall of Fame, y la revista Rolling Stone le otorgó el puesto 51 en su clasificación 100 Greatest Artists of All Time.

Howlin' Wolf - Evil

"He had a voice like shattered glass being dragged over hot asphalt. It enabled him to register rage, paranoia, loneliness and lust almost as a single emotion clenched into a taut vocal fist that punched like none other on earth (...) Their music looked less towards heaven than Earth and a resignation to the rhythms of nature in general (and harvest in particular). Nature, of course, can be both cruel and kind; Wolf embodied a torrential natural force of the sort before which lesser mortals are simply swept away. His music springs from a tradition which can be traced ultimately to Africa."
Mark Humphrey

Además de Howlin' Wolf no puedes perderte otros discos de blues clásico que tenemos en la Biblioteca:

Massive Attack y el Trip-Hop de los 90

2011-01-31T15:10:00.009+01:00

Massive Attack

Mezzanine

Virgin (1998)

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Aunque los miembros de Massive Attack renieguen del término, sin embargo serán recordados como los principales exponentes del trip-hop. Esta corriente musical experimental, también conocida como sonido Bristol, es genuina de la década de los 90. Partiendo del house y el hip-hop, es un estilo de música electrónica downtempo que incorpora elementos del jazz, el soul y el rock, y que se caracteriza por los ritmos hipnóticos y atmosféricos. Junto a Massive Attack destacan Portishead y Tricky, además de multitud de seguidores como Morcheeba, Goldfrapp, Moloko, Thievery Corporation, Lamb, Najwajean, Olive, Hooverphonic, Air, Moby, Zero 7, Jem, Gorillaz o Faithless.

Massive Attack - Teardrop

La formación de Massive Attack surge del colectivo artístico The Wild Bunch, y en 1988 comienza la labor creativa del grupo, cuyos componentes serán Grant "Daddy G" Marshall, Robert "3D" del Naja y Andrew "Mushroom" Vowles. La ausencia de un vocalista permanente les ha posibilitado la colaboración con otros cantantes, como Madonna, Shara Nelson, Elizabeth Fraser, Tracey Thorn, Sinead O'Connor o Neneh Cherry. En 1991 publicaron Blue lines, éxito de crítica y fracaso comercial, cuya influencia sería notoria en los años posteriores. En 1998 llegaría Mezzanine, su obra fetiche, y desde entonces han tenido una carrera con altibajos, cuya última entrega ha sido Heligoland en 2010.

Mezzanine fue y es un disco de culto. Aunque predominan los sonidos oscuros y las guitarras eléctricas distorsionadas, obtuvo un gran éxito de público y crítica en Europa. Supone además una evolución significativa en el grupo, que impregna sus composiciones de melancolía y misticismo. Temas como Teardrop aún nos resultan cercanos al incluirse en las bandas sonoras de series como House, Prison break o CSI Miami. Mezzanine incluye, algo muy habitual en el trip-hop, samples de The Cure, Led Zeppelin o Isaac Hayes.

Massive Attack - Inertia creeps

En la Biblioteca hay más cd's para disfrutar del trip-hop y la música electrónica:

Paul McCartney en concierto

2011-01-14T14:30:00.010+01:00

Paul McCartney

Good evening New York City

Hear Music (2009)

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Comenzamos el 2011 dedicando unas líneas al veterano e incombustible Paul McCartney. A punto de cumplir los setenta, resulta complicado resumir la importancia y la repercusión del legado del músico de Liverpool, desde sus abundantes composiciones junto a Lennon para The Beatles durante los sesenta, hasta la creación de Wings en los setenta y su extensa carrera posterior en solitario. Multi-instrumentista, compositor, cantante, productor y empresario, también destaca por su implicación en numerosos proyectos benéficos y humanitarios. En cuanto al amplio anecdotario, aparece en el Libro Guinness como el músico y compositor más exitoso en la historia de la música popular (gracias a sus 29 números uno en las listas), y su canción Yesterday es la más versionada de la historia (en más de 3.500 ocasiones).

Paul McCartney - Live and let die

"When The Beatles played Shea Stadium on August 15, 1965, it was the first rock concert in a major stadium, with a sold-out crowd of 55.600 (...) The Beatles at Shea pioneered the stadium concert business, but more importantly, that concert established rock music as the preeminent popular art form of the 20th century, and The Beatles as its reigning royalty. So when Paul McCartney headlined at Shea Stadium, now renamed Citi Field and moved a few hundred yards away, for the first time since those historic shows, it was even more of an event than a Paul McCartney concert usually is. It was also his first tour in four years, and The Beatles were in the air once again (...) Over the three nights at Citi Field, 109.397 people saw and heard music that has stood the test of time and will be remembered for a long time to come (in other words, classic). How often do you get to see something like that?"
Michael Azerrad

Paul McCartney - Let it be

Good evening New York City está compuesto por dos cd's más un dvd, y lo distribuye Hear Music (el sello propiedad de la cadena Starbucks). Recoge material grabado en los conciertos celebrados en el estadio Citi Field de New York durante los días 17, 18 y 21 de julio de 2009, pertenecientes al inicio de la gira Summer Live '09. En ellos McCartney ofreció su repertorio clásico, destacando muchos de los himnos que le encumbraron con The Beatles.

Paul McCartney - Got to get you into my life

En la Biblioteca tienes más música de Paul McCartney (Wingspan, Paul McCartney is live!, Run devil run, Ecce cor meum). Aunque es posible que prefieras su etapa con The Beatles (Please, please me, Beatles for sale, A hard day's night, The Beatles 1962-1966, The Beatles 1967-1970, Revolver, Rubber soul, Help!, The Beatles, One).

Música que puedes escuchar estas Navidades

2010-12-23T14:50:00.014+01:00

Eli "Paperboy" Reed

Come and get it!

Capitol Records (2010)

WWW

Eli "Paperboy" Reed - Come and get it!

Carlos Berlanga

Reproches y vehemencias

EMI (2010)

WWW

Alaska y Dinarama - Cómo pudiste hacerme esto a mí

Fryderyk Chopin

Late masterpieces

Hyperion (2010)

WWW

Fryderyk Chopin - Barcarolle in F sharp major, Op. 60

Abbey Lincoln

Through the years

Universal (2009)

WWW

Abbey Lincoln - First song

VV.AA.

Tango around the world

Putumayo (2007)

WWW

Fortuna - Tango Idishe

Muddy Waters

The definitive collection

Geffen (2006)

WWW

Muddy Waters - Mannish boy

Best Coast

Crazy for you

Wichita Recordings (2010)

WWW

Best Coast - Boyfriend

VV.AA.

Up in the air

Rhino (2009)

WWW

Sharon Jones & The Dap-Kings - This land is your land

Johnny Clegg, el "Zulú Blanco"

2010-12-10T15:09:00.017+01:00

Johnny Clegg & Savuka

The best of : in my african dream

EMI (1994)

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Johnny Clegg - Asimbonanga

"Dancer, anthropologist, singer, songwriter, academic, activist and french knight. Whilst all of these tags are fitting, none of them can accurately describe the energetic, passionate human being who has become one of South Africa's greatest musical exports. he has campaigned against the injustice of apartheid South Africa and been instrumental in putting the new South Africa on the map as a cultural ambassador (...) Even when Clegg is addressing very specific african dilemmas, there is a universality that accompanies the message and, of course, the music that propels the message transcends any attempt to fit it into a particular pigeonhole. Clegg is a human making human music. Over the past three decades, few have done that as well as him."
JohnnyClegg.com

Johnny Clegg - Scatterlings of Africa

Johnny Clegg es conocido como The White Zulu. Nacido en 1953 en Inglaterra, muy pronto su familia se trasladó a África y, tras residir en varios países, recaló definitivamente en Sudáfrica, donde empezó a interesarse por el baile y la música del pueblo zulú. A principios de los setenta se unió a Sipho Mchunu para formar Juluka, cuyo gran mérito fue el de convertirse en el primer grupo multi-racial de Sudáfrica durante la difícil época del Apartheid. A Juluka le sustituyó más tarde Savuka, aunque ambas formaciones tendrán en común su estilo pegadizo y bailable, un afro-pop donde las melodías europeas se fusionan brillantemente con los ritmos africanos. Clegg nunca renunció a la crítica social y política, y sus canciones se refieren muchas veces a la defensa de los desfavorecidos y a la apología de luchadores por la libertad como Mandela o Biko. Esto le ocasionó numerosos arrestos y la censura del régimen, pero finalmente se sobrepuso y traspasó fronteras alcanzando el éxito internacional, sobre todo en Francia y Canadá.

Johnny Clegg - Dela

Sudáfrica podría considerarse la gran cantera musical del continente africano y, además de Johnny Clegg, en la Biblioteca tienes la posibilidad de escuchar a otros artistas sudafricanos:

Serrat regresa a la poesía de Miguel Hernández

2010-11-26T14:12:00.013+01:00

Joan Manuel Serrat

Hijo de la luz y de la sombra

Sony (2010)

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"¿Por qué vuelvo a escarbar de nuevo en la obra de Miguel Hernández? Fundamentalmente por dos razones. Una, porque este año se cumple el Centenario del nacimiento del poeta y, como viejo amigo que soy, me sentía en la obligación de celebrarlo desde los escenarios. La gente me lo iba a pedir. La gente ama al poeta y, como yo, no dejaría pasar la onomástica sin recordarla. La otra razón que me ha empujado a volver sobre la obra de Miguel Hernández, la más importante y la que me convenció del interés y validez del proyecto es la intemporalidad de su poesía, la vigencia de sus versos más allá del lugar y el tiempo en que vieron la luz, más allá del contexto en que nacieron, versos que siguen sonando tan sólidos y frescos como si hubieran sido escritos ayer y aquí."
Joan Manuel Serrat

Joan Manuel Serrat - Hijo de la luz y de la sombra

En 2010 se cumplen cien años del nacimiento de Miguel Hernández, y Joan Manuel Serrat vuelve a acercarse 38 años después a la obra del poeta de Orihuela. Poco se puede decir a estas alturas sobre el veterano cantautor barcelonés, aunque destacaríamos su habitual atracción por la composición de canciones a partir de poemas de ilustres escritores como Antonio Machado, Mario Benedetti, Rafael Alberti, García Lorca, Pablo Neruda o el propio Miguel Hernández. Pionero de la Nova Cançó, después fue alternando sus discos en catalán y castellano, en un proceso creativo muy flexible abierto a todo tipo de influencias, donde temas íntimos y personales conviven con canciones populares y con géneros diversos como la copla, el tango o el bolero. A sus casi 70 años, Serrat ha recibido numerosos reconocimientos a su trayectoria profesional, como el Premio Ondas (1995), la Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo (2006) o el Premio Nacional de Músicas Actuales (2010).

Portada del disco Miguel Hernández (1972)

"Miguel Hernández llegó a concebir su poesía como un itinerario desde el negro de la tinta hasta el cárdeno de la sangre. No se refería sólo ni principalmente a la vertida en las trincheras, sino a la que nutría los sentimientos y enfebrecía los tinteros hasta volverlos rojos y trémulos, en pudorosa metáfora del corazón. Pues un similar proceso de madurez puede advertirse entre los dos discos que le ha dedicado el cantante, desde aquel primero de luto riguroso a este otro en negro y rojo."
Agustín Sánchez Vidal

Joan Manuel Serrat - Dale que dale

Hijo de la luz y de la sombra, por tanto, recurre de nuevo a los textos de Miguel Hernández y supone una prolongación y un complemento del disco de 1972. Tras algunos problemas legales con los herederos del poeta que retrasaron su publicación, finalmente la obra salió al mercado compuesta por un cd con trece canciones más un dvd con un documental. Serrat está acompañado por músicos contrastados, como Ricard Miralles al piano o Joan Albert Amargós en los arreglos y la dirección musical.
En la Biblioteca encontrarás más discos de Joan Manuel Serrat, como Versos en la boca, Cansiones, Dedicado a Antonio Machado, 24 páginas inolvidables o El gusto es nuestro (con Ana Belén, Víctor Manuel y Miguel Ríos). También tenemos algunos de sus textos en catalán y castellano en Verso a verso y en Cancionero, además de un libro sobre Serrat escrito por Manuel Vázquez Montalbán.
Esto coincide todavía con unas Jornadas sobre Miguel Hernández que se están celebrando en la Universidad.

Miguel Poveda también borda las Coplas

2010-11-04T17:50:00.011+01:00

Miguel Poveda

Coplas del querer

Universal (2009)

Localízalo en la Biblioteca

"No sé si lo primero que recuerdo oir de pequeño fue una copla, el caso es que esta música ya estaba instalada en mi casa cuando llegué al mundo, la oía a través de La radio de mi madre. Fue esta música la que me llevó al flamenco, aunque pienso que siempre han ido de la mano a través de los cuplés que cantaban La Niña de los Peines, Fernanda y Bernarda, Caracol...El proceso de este trabajo ha sido muy emocionante, de un lado decidir qué títulos cantar, después cómo apropiarme de ese legado que nos dejaron los grandes maestros del género sin ofenderlos, y de repente te viene el título de esa copla genial. Este es un trabajo dedicado a esos autores de un género que me han permitido a través de sus creaciones cantaros mis Coplas del querer."
Miguel Poveda

Miguel Poveda - Vente tú conmigo

Miguel Poveda es un personaje atípico dentro del mundo del flamenco. Payo y catalán, sin antecedentes andaluces, sin embargo estas condiciones inhabituales no fueron un obstáculo para su vocación temprana y su posterior evolución hasta convertirse en un cantaor respetado por su calidad, su talento y su versatilidad. Tras un período de aprendizaje, su confirmación llega en 1993 durante la 33ª edición del Festival Nacional del Cante de las Minas de La Unión, donde Poveda será el gran triunfador al recibir varios galardones, entre ellos la codiciada Lámpara Minera. Desde entonces su trayectoria ha sido ascendente, hasta su culminación en 2007 con la consecución del Premio Nacional de Música que otorga el Ministerio de Cultura. En la actualidad continúa su actividad musical intensamente, combinando diferentes proyectos con las actuaciones en directo y la colaboración con otros artistas.

Miguel Poveda - A ciegas

"Miguel tiene lo mejor de Caracol, Rafael Farina, Bambino mezclado con algo personal que sólo le pertenece a él. Dotado de un instinto exquisito para adentrarse por terrenos alejados del flamenco, como el bolero, el tango y la copla. Ecléctico, superdotado y lleno de curiosidad, a la voz exquisita de Miguel le caben todos los estilos."
Pedro Almodóvar

Miguel Poveda - Coplas del querer

Coplas del querer supone la particular revisión que Miguel Poveda hace de algunas coplas clásicas, piezas compuestas por autores reconocidos como León, Quintero, Quiroga o Solano. Para la ocasión le acompañan sus habituales Chicuelo (guitarra y arreglos) y Joan Albert Amargós (piano, arreglos y producción). El resultado final es excelente y el disco ha conseguido tres Premios de la Música, además de proporcionar a Poveda su tercera nominación para los Premios Grammy Latinos.
Hay otros discos en la Biblioteca donde se fusionan el flamenco, la copla y otros estilos musicales:

Propaganda y el sonido de la New Wave en Alemania

2010-09-28T14:28:00.016+02:00

Propaganda

A secret wish

ZTT (1985)

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La historia de Propaganda es la de una banda que generó grandes expectativas, pero desgraciadamente su carrera ha sido breve y fragmentada, marcada por las complicadas relaciones entre sus miembros, los cambios continuos en la formación, los retrasos en las grabaciones y los problemas con la compañía discográfica que se resolvieron a través de los tribunales. El grupo se formó en 1982 en Düsseldorf, en pleno auge de la new wave, y se incorporó a la corriente musical del synth-pop o tecno-pop predominante en la época, con un sonido industrial con tendencia al dramatismo y la grandilocuencia. Deudores de Kraftwerk, como la mayoría de proyectos musicales con inquietudes electrónicas, su estilo es similar al de bandas alemanas coetáneas como Alphaville, Camouflage o Peter Schilling.

Propaganda - P-Machinery

"They were a band of scaring contrasts. One of their vocalists by her own admission was not a singer; the other had one of the most charismatic voices of the era. They looked to the past for much of their inspiration, yet at the same time their music, which was focused predominantly around keyboards and percussion, even now a quarter of a century on continues to sound industrially futuristic. They were eclipsed in sales and certainly hype by the runaway success of label mates Frankie goes to Hollywood, but they also produced one of the outstanding pop records of the decade with their 1985 debut album A Secret Wish."
John Clarkson

Propaganda se trasladó a Gran Bretaña y firmó por ZTT, el sello fundado por Trevor Horn. Fue una relación conflictiva con continuas disputas por desavenencias contractuales, a lo que se unió su relegación por el tremendo éxito de Frankie goes to Hollywood y también la tensión provocada por el ascenso de la cantante Claudia Brücken, que se había casado con un directivo de la compañía. En 1986 abandonan ZTT y hay que esperar hasta 1990 para ver publicado su disco 1234 por Virgin, aunque sólo participa un miembro original del grupo. En 1998 hay una reunificación parcial que no se concreta en ninguna grabación y será en 2004 cuando la banda vuelva a estar al completo en Wembley en un concierto en homenaje a Trevor Horn.

Propaganda - Duel

A secret wish vio la luz en 1985 con cierto retraso debido a varios cambios en la producción (inmerso Horn en otros proyectos, se recurrió a David Sylvian, pero al final el encargado fue Steve Lipson), aunque el resultado final fue fantástico y el álbum alcanzó el puesto 16 de las listas en Reino Unido. Con un sonido efectista y contundente, la música iba acompañada de una estética influida notablemente por el director de cine Fritz Lang, sobre todo por sus películas El testamento del Dr. Mabuse y Metrópolis.
Si te gustan los ritmos ochenteros, aquí tienes unos cuantos que encontrarás en la Biblioteca:

Django Reinhardt, icono del Gipsy Jazz

2010-08-30T15:04:00.017+02:00

Django Reinhardt

The art of the jazz guitar

Legacy International (2006)

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Se cumple el centenario del nacimiento de Jean Baptiste "Django" Reinhardt (1910-1953), el genial guitarrista y compositor de jazz, principal exponente del llamado Gipsy Jazz o Jazz Manouche, un estilo caracterizado por la fusión entre el swing y la música gitana del este de Europa. Creativo e imprevisible, sus composiciones alegres y dinámicas supusieron una revolución antes del uso de la amplificación, y Reinhardt se convirtió en uno de los primeros músicos europeos de jazz con capacidad para ejercer una notable influencia sobre futuros artistas.

Django Reinhardt - Top 5 DR solo's

Nacido en Bélgica, a los pocos años se trasladó a vivir a un campamento gitano a las afueras de París, y allí comenzó su aprendizaje. Precoz y autodidacta, Django Reinhardt demostró su habilidad innata tocando el banjo y el violín, aunque finalmente se decantó por la guitarra. En 1928 se produjo un hecho que cambió su vida, al incendiarse su caravana durante la noche, lo que le provocó quemaduras en el cuerpo e importantes lesiones en dos dedos de la mano izquierda. Desde ese momento, Reinhardt tuvo que adaptarse a la nueva situación, consiguió superar sus carencias físicas y creó un estilo original y único.

Django Reinhardt - 100 ans de la naissance de DR

En 1934 formó el Quintet of the Hot Club of France, una peculiar banda de cuerdas con él como solista, dos guitarras rítmicas, violín y bajo. Destacaba la presencia del violinista Stéphane Grapelli, aunque el quinteto se disolvió en 1939 debido al comienzo de la Segunda Guerra Mundial. Tras los duros años de la guerra, sobre todo teniendo en cuenta su condición de gitano en una Francia ocupada por los nazis, recuperó su actividad musical y en 1946 le encontramos en Estados Unidos de gira con Duke Ellington. Además colaboró con otros artistas americanos como Coleman Hawkins, Louis Armstrong, Benny Carter o Dizzy Gillespie. Juerguista e indisciplinado, anárquico e imprevisible, Django Reinhardt murió prematuramente en 1953 a causa de una hemorragia cerebral.

Django Reinhardt - J'attendrai swing

Otros discos de jazz que encontrarás en la Biblioteca y donde la guitarra es la protagonista:

Algunas recomendaciones para el verano

2010-07-30T13:29:00.001+02:00

Cyndi Lauper

The essential

Sony (2003)

WWW

Cyndi Lauper - Time after time

The Commodores

The ultimate collection

Motown (1997)

WWW

The Commodores - Easy

Cecilia Bartoli

Sacrificium

Decca (2009)

WWW

Cecilia Bartoli - Sacrificium

Los Planetas

Una ópera egipcia

Sony (2010)

WWW

Los Planetas - No sé cómo te atreves

VV.AA.

Crazy heart

Twentieth Century Fox (2010)

WWW

Ryan Bingham - The weary kind

Françoise Hardy

La collection 62-66

Sony (2009)

WWW

Françoise Hardy - Tous les garçons et les filles

John Mayall

Essentially

Eagle Records (2006)

WWW

John Mayall - Walking on sunset

Doves

The best of

EMI (2010)

WWW

Doves - Caught by the river

Surf Music : olas, diversión y Rock & Roll

2010-06-29T14:50:00.015+02:00

VV.AA.

Surfin' hits

Rhino (1989)

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Ahora que definitivamente ha llegado el verano podemos aprovechar para zambullirnos en los refrescantes sonidos de la Música Surf. Surgida en California a principios de los años 60, siendo Dick Dale su primer mentor, se asoció al denominado "surfin' way of life", un estilo vital caracterizado por el hedonismo, la diversión y la naturalidad. Aunque se suele englobar a la mayoría de grupos con el término de Música Surf, sin embargo podemos diferenciar dos vertientes. Una pop, llamada a veces "sunshine pop", basada en melodías y armonías vocales heredadas del doo wop, y donde destacan artistas como The Beach Boys o Jan & Dean. Y otra rock e instrumental, donde el uso de instrumentos Fender facilita los punteos frenéticos y los ritmos rápidos y bailables, y cuyos representantes podrían ser Dick Dale, The Ventures o The Surfaris. El género surf tuvo una vida efímera que concluyó en 1965, coincidiendo con el ascenso del movimiento folk y, sobre todo, con la llegada de la British Invasion encabezada por The Beatles y The Rolling Stones. A continuación os mostramos algunos vídeos muy significativos de lo que supuso esta peculiar corriente musical.

Dick Dale & His Del-Tones - Miserlou

The Beach Boys - Surfin' U.S.A.

The Ventures - Wipe out

"Surf music is one of those Sixties trends that gestated, bloomed and died purely within the confines of what Tom Wolfe called "the Teenage Netherworld". While it was eventually manufactured and marketed as crassly as any product in the pipeline, its target audience remained the kids (first California's and then the world's), from whose ranks it had originated. That is, the same audience that created and consumed flat-tops and pin-striping, fuzzy dice and bongos and all those arcane dance steps so lovingly depicted in John Water's Hairspray. Pop theorist Greil Marcus refers to the exclusivity of knowledge and experience that bound together the members of that netherworld community."
Gene Sculatti

The Trashmen - Surfin' bird

Jan & Dean - Surf city

The Chantay's - Pipeline

Surfin' hits es un recopilatorio bastante completo que incluye 18 temas de los principales representantes del género, como The Beach Boys, The Surfaris, Jan & Dean, The Marketts, Dick Dale & His Del-Tones, The Chantay's, The Pyramids o The Lively Ones (quizás echamos en falta a los estupendos The Ventures). Recoge canciones y melodías muy reconocibles, como Surfin' U.S.A., Surf city, Pipeline, Miserlou, Wipe out, Surfin' bird, Surf rider o Out of limits.
Si quieres un poco más de ritmos surf, en la Biblioteca tienes The very best of The Beach Boys (L/CD 5 BEA), sin duda el mejor grupo de su generación, y la banda sonora de Pulp fiction (CD 8 PUL), la película de Tarantino que recuperó la música surf para el gran público.

Tríos para piano de Mendelssohn

2010-05-20T17:48:00.013+02:00

Felix Mendelssohn

Piano trios

Sony (2010)

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"Felix Mendelssohn Bartholdy was perhaps the greatest musical prodigy in history (...) The music of Mendelssohn, to us, reflects what he must have been as a human being (inspired, deeply touching and full of generosity). In his music as in his life, one senses a devotion to the highest ideals of art. Perhaps what Schumann meant about reconciling contradictions was that while Mendelssohn was part of the Romantic movement, which so emphasized the lone musical hero, he was also conscious of that hero's place in society and his responsibility to his musical compatriots. I believe this is what made him as admired by his contemporaries as he is venerated by us contemporary music lovers."
Emanuel Ax

Felix Mendelssohn - Piano trios

Efectivamente Felix Mendelssohn Bartholdy (1809-1847) fue un niño prodigio. Su precocidad y su talento se explican en parte por su pertenencia a una familia alemana de origen judío bastante acomodada, donde recibió una intensiva formación en varias disciplinas artísticas. Durante su educación el joven Felix tuvo contacto directo con intelectuales como Goethe, Hegel o Humboldt, y pronto destacó su genio para la música, la pintura y la escritura. Mendelssohn fue un autor muy prolífico que compuso alrededor de cien obras, entre las cuales hay sinfonías, óperas, conciertos, oratorios y música de cámara. También fue muy polifacético, además de compositor ejerció de director de orquesta (en Düsseldorf, Leipzig y Berlin), fundó The Leipzig Music Conservatory (dedicándose a la enseñanza) y también fue un destacado pianista, cuyo virtuosismo fue comparado con el de Liszt o Clara Schumann.

Felix Mendelssohn - Piano trio No. 1 in D Minor (I)
Artur Rubinstein, Jascha Heifetz, Gregor Piatigorsky

Mendelssohn fue un auténtico apasionado de la música en todos sus aspectos, mientras que su vida privada transcurrió de manera convencional y apacible. Aunque su obra se desarrolla durante el período romántico, su admiración por Bach y Handel le confiere un estilo bastante conservador para su época, lo cual nunca hizo disminuir su notable éxito entre el público. Coincidiendo con el segundo centenario de su nacimiento, se publica este cd que incluye sus dos únicos tríos para piano y cuerda (No. 1 in D Minor, Op. 49 y No. 2 in C Minor, Op. 66). Para la ocasión Sony recurre a otro trío de ases, Emanuel Ax al piano, Itzhak Perlman al violín y Yo-Yo Ma al violonchelo.

Perlman, Ax and Ma talk about Mendelssohn

"Mendelssohn is the Mozart of the nineteenth century, the most illuminating of musicians, who sees more clearly than others through the contradictions of our era and is the first to reconcile them. This was the judgment of no less a connoisseur than Robert Schumann, writing about the D-Minor Piano Trio, the first of Mendelssohn's two masterpieces for piano, violin and cello."

En la Biblioteca tienes la posibilidad de escuchar otros discos de Mendelssohn, entre los que te recomendamos Concerto for violin and orchestra in E Minor, Lieder ohne Worte, Symphonies for strings No. 10, 11 & 12, Violin concertos, Symphony No. 3 in A Minor "Scottish", Symphony No. 4 "Italian" y A midsummer night's dream.

Anni B Sweet y el renacer del Folk-Pop femenino en España

2010-04-30T14:48:00.015+02:00

Anni B Sweet

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Subterfuge Records (2009)

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Anni B Sweet es en realidad Ana López, una malagueña nacida en 1988. Es una cantautora de reciente aparición, con un estilo cercano al indie pop y al folk acústico, y con grandes similitudes a otras artistas noveles como Russian Red (la madrileña Lourdes Hernández), Alondra Bentley (murciana de origen británico) o Boat Beam (trío formado por una australiana, una americana y una española). Aunque a ellas no les gusta este encasillamiento, sin embargo todas cumplen el perfil de "chicas con guitarra", además de ser jóvenes, sensibles y anglófonas.

Anni B Sweet - Motorway

Todas cantan en inglés y son deudoras del legado musical de Bob Dylan, Joan Baez, Joni Mitchell o Kate Bush. Pero seguramente lo más significativo es que su difusión y popularidad no se ha producido a través de medios convencionales como la radio y la televisión, sino gracias a Internet (sobre todo, Myspace). Mucho antes de publicar su primer disco, la voz suave y melancólica de Anni B Sweet era conocida en la red por multitud de seguidores, lo que también favoreció su participación en bastantes conciertos y festivales.

Anni B Sweet - Second hand

"La cantautora folk-pop Ana López ha venido sumando sin cesar afiliados a su club de fans desde que colgara algunas (grandes) canciones en Myspace, y ahora que tiene disco oficial su fama sólo debería estallar del todo. Anni B Sweet viene a sumarse a esa pequeña nómina de artistas indies nacionales cuya música puede llegar, afectar, a un público amplio, indie y no indie. ¿Quién se resiste a esas melodías o esa voz cristalina capaz de romperte y reconstruirte al mismo tiempo? Si todavía queda justicia poética en el mundo, o algo de buen gusto en España, "Start restart undo" debería ser un éxito."
Juan Manuel Freire

Anni B Sweet - A sarcastic hello

Start restart undo, publicado por el sello Subterfuge Records y con la producción de Brian Hunt (ex Russian Red), es una colección de canciones sencillas y melodías impecables, cuya acogida por parte de público y crítica parece augurar para Anni B Sweet un porvenir bastante dulce.
Aprovechamos para recomendarte otros discos de folk y pop de mujeres que podrás encontrar en la Biblioteca:

Snow Patrol resume 15 años de excelente Britpop

2010-04-16T14:52:00.020+02:00

Snow Patrol

Up to now

Polydor (2009)

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La trayectoria de Snow Patrol es de momento totalmente ascendente, la de un grupo oculto durante años en la complicada escena independiente hasta convertirse en un fenómeno comercial capaz de vender más de diez millones de discos en todo el mundo. La banda se formó en 1994 en Dundee, Escocia, por unos amigos norirlandeses, y antes de consolidar su nombre definitivo se llamó Shrug y Polar Bear. Tras unos inicios alternativos marcados por las guitarras distorsionadas, Snow Patrol ha adquirido finalmente un estilo más épico y melancólico, similar al de Coldplay o Keane.

Snow Patrol - Chasing cars

2003 fue un año decisivo para Snow Patrol con la publicación de Final straw, disco que les permitió salir del anonimato e incluso les posibilitó actuar como teloneros de U2. Mayor repercusión tendría Eyes open en 2006, con gran éxito de crítica y público, alcanzando el número uno en Reino Unido e Irlanda, sobre todo gracias al impacto del tema Chasing cars, el himno pop más reconocible de la banda. Desde entonces Snow Patrol se ha convertido en un referente y una influencia destacada en la escena musical norirlandesa y escocesa.

Snow Patrol - Crack the shutters

"The great and terrifying thing about our band is that everything has always happened as it's going along. There's been very little masterplan. We allow things to happen as much by accident as by deliberate intention (...) We spent 10 years making records that 6000 people bought. Success to us isn't a chart thing, it's when you turn up to play a gig and find the place is full."
Gary Lightbody (líder, vocalista y guitarrista de Snow Patrol)

Snow Patrol - Spitting games

Up to now es un recopilatorio que incluye 30 temas en dos cd's. Recoge la producción musical del grupo entre 1998 y 2009, sus grandes éxitos, algunas rarezas y versiones, además de tres canciones inéditas.

Snow Patrol - Shut your eyes

Si te gusta Snow Patrol, seguro que te gustan otros que tenemos en la Biblioteca:

Algunas sugerencias para Semana Santa

2010-03-26T14:30:00.014+01:00

The Black Crowes

Greatest hits 1990-1999

Sony (2000)

WWW

The Black Crowes - Remedy

Lhasa

Lhasa

Audiogram (2009)

WWW

Lhasa - Rising

Lori Meyers

Cronolánea

Universal (2008)

WWW

Lori Meyers - Alta fidelidad

Johann Christian Bach

La dolce fiamma

Virgin Classics (2009)

WWW

Philippe Jaroussky - Cara, la dolce fiamma

Ann Peebles

The best of : the Hi Records years

Right Stuff (1996)

WWW

Ann Peebles - I can't stand the rain

Uxía

Eterno navegar

Nordesía (2008)

WWW

Uxía - Eterno navegar

Chick Corea & Gary Burton

The new crystal silence

Chick Corea Productions (2008)

WWW

Chick Corea & Gary Burton - La fiesta

Adrian Johnston

Brideshead revisited

Chandos (2008)

WWW

Adrian Johnston - Always summer

Bandas Sonoras de Oscar

2010-03-16T18:00:00.024+01:00

¡¡And the Oscar goes to...!! Esta célebre frase volvió a escucharse hace unos días durante la ceremonia de los Oscars, y ya van 82 ediciones. Este año la película ganadora en el apartado de bandas sonoras ha sido Up, la estupenda creación de Disney/Pixar, pero son muchas las melodías inolvidables que acuden a nuestra memoria. Aprovechando esta ocasión, os ofrecemos una selección de discos que tenemos en la Biblioteca y que han conseguido la preciada estatuilla.

John Barry

Out of Africa

MCA (1986)

Original Score 1985 (58th)
WWW

John Corigliano

The red violin

Sony (1998)

Original Score 1999 (72nd)
WWW

John Barry - Out of Africa

James Horner

Titanic

Sony (1997)

Original Dramatic Score 1997 (70th)
WWW

John Williams

Schindler's list

MCA (1993)

Original Score 1993 (66th)
WWW

A. R. Rahman

Slumdog millionaire

Interscope Records (2008)

Original Score 2008 (81st)
WWW

John Williams - Schindler's list

Gustavo Santaolalla

Babel

Concord Music Group (2006)

Original Score 2006 (79th)
WWW

Nicola Piovani

La vida es bella

Tentacoli (1997)

Original Dramatic Score 1998 (71st)
WWW

Nicola Piovani - La vida es bella

Maurice Jarre

A passage to India

Drg (2006)

Original Score 1984 (57th)
WWW

Anne Dudley

The full monty

BMG (1997)

Original Music or Comedy Score 1997 (70th)
WWW

Stephen Warbeck

Shakespeare in love

Sony (1998)

Original Musical or Comedy Score 1998 (71st)
WWW

Maurice Jarre - A passage to India

Howard Shore

The Lord of the Rings
The Fellowship of the Ring

Warner (2001)

Original Score 2001 (74th)
WWW

Dario Marianelli

Atonement

Universal (2007)

Original Score 2007 (80th)
WWW

Gustavo Santaolalla

Brokeback mountain

The Verve (2005)

Original Score 2005 (78th)
WWW

Gustavo Santaolalla - Brokeback mountain

John Barry

Dances with wolves

BMG (2004)

Original Score 1990 (63rd)
WWW

John Williams

Star wars

RCA (1997)

Original Score 1977 (50th)
WWW

Ralph Burns

Cabaret

Hip Records (1996)

Scoring Adaptation 1972 (45th)
WWW

Liza Minelli - Mein herr (Cabaret)

Tres viajes musicales con Putumayo : India, Grecia y Brasil

2010-02-26T14:00:00.003+01:00

Hace ya tiempo dedicamos una entrada a Putumayo World Music, el inconfundible sello discográfico de New York que desde su fundación en 1993 ha destacado por la acertada difusión de la música de diversas culturas del mundo, a través de recopilatorios caracterizados por el equilibrio entre lo tradicional y lo contemporáneo. Ahora os proponemos tres de esas compilaciones. En definitiva, tres países, tres continentes, tres manifestaciones musicales con más puntos en común de lo que podría indicar la distancia. Esperamos que os guste y que se cumpla el lema de Putumayo: ¡Garantizadas para hacerte sentir bien!

VV.AA.

Brazilian café

Putumayo (2009)

WWW

"Como casi todo en Brasil, la música también es parte del panorama. Independientemente del lugar en que se junten los brasileños, ya sea en cafés, bares, restaurantes o botequins, la singular combinación brasileña de los tres anteriores, generalmente se puede esperar un acompañamiento musical en vivo. Entonces, haga como los brasileños, sírvase un cafezinho y disfrute esta hermosa selección de bossa nova, samba y jazz."

Ceumar - Feliz e triste

VV.AA.

Greece : a musical odyssey

Putumayo (2004)

WWW

"La música es un elemento fundamental en la vida griega, y la gente, sin distinción de clases sociales, tiene marcadas preferencias en cuanto a estilos y géneros musicales. Algunos se inclinan por la demotica, o música folklórica, o por la ya mencionada rembetika. Otros prefieren el entehno, que literalmente significa "calidad" en referencia a un estilo de música popular más sofisticado que mezcla poesía e ingeniosos arreglos con influencias tradicionales griegas. Sin embargo, el más popular es el laiko, un género que se escucha alto tanto en los taxis como en los clubes nocturnos. Dado su origen tan rico y diverso, la música griega tiene mucho para ofrecer. Las canciones incluidas en esta colección son algunas de las favoritas de Putumayo, interpretadas por artistas griegos contemporáneos. A través de ellas, nuestro deseo es estimularos a explorar la riqueza musical de Grecia."

Melina Kana - Arnisi

VV.AA.

India

Putumayo (2009)

WWW

"Más allá de Bollywood, existen muchos otros importantes géneros musicales pop y tradicionales, tales como la música rítmica de baile punyabí, llamada bhangra, y los qawwali devocionales sufí, que se hicieron famosos gracias al fallecido cantante pakistaní Nusrat Fateh Ali Khan. Aunque realmente ningún cd en particular puede hacer justicia a la diversidad musical proveniente de la India en la actualidad, esta colección ofrece una amplia muestra. Desde los sonidos tradicionales a los éxitos pop de Bollywood y las canciones contemporáneas que mezclan las influencias de Oriente y Occidente, este cd confirma que la música de la India es tan diversa y fascinante como el país mismo."

Niraj Chag - Khwaab

La Biblioteca tiene en la actualidad 41 cd's de Putumayo y la colección va en aumento. Es un buen momento para escuchar títulos tan sugerentes como Acoustic Arabia, Latin jazz, Women of the world, Brazilian lounge, Global soul, South African legends, Music from the Tea Lands, New Orleans, Celtic tides o Cairo to Casablanca.

AC/DC, Rock duro desde las Antípodas

2010-02-05T15:30:00.009+01:00

AC/DC

Highway to hell

J. Albert & Son (2003)

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Tengo grabado en la memoria el recuerdo de cuando unos cuantos años atrás, en la época del Instituto, escuché por primera vez a AC/DC en casa de un amigo. Puso el tocadiscos y el salón tembló con el riff inicial de Highway to hell. Era sencillo, potente...brutal. Un sonido enérgico y poderoso que durante varias décadas ha conseguido mantener una gran popularidad y que aún abarrota los estadios con una ingente cantidad de fieles seguidores. Unos conciertos espectaculares y vibrantes, sin sorpresas llamativas, con unos fans incondicionales que seguirán acudiendo aunque Angus Young cambie su habitual uniforme escolar por un pijama geriátrico.

AC/DC - Highway to hell

La historia de AC/DC comienza en 1973 en Sidney, cuando dos hermanos escoceses, Malcolm y Angus Young, deciden formar una banda de heavy metal, aunque ellos siempre se han considerado un grupo de rock & roll. Tras varias pruebas, la formación se consolidará con Cliff Williams al bajo, Phil Rudd a la batería y la voz y el carisma inimitables de Bon Scott. Son años dominados por la música punk, pero AC/DC abandonará Australia para abrirse camino en Europa compartiendo escenarios con bandas como Kiss, Aerosmith, Styx, Cheap Trick, Boston, Black Sabbath, Scorpions, Journey, Foreigner, Thin Lizzy, The Who, Rainbow o Van Halen.

En 1979, con la notable producción de Robert John "Mutt" Lange, publican Highway to hell, que incluye su canción fetiche del mismo título, y consiguen hacerse hueco en las listas americanas. La desgracia sobreviene en 1980 con la muerte por intoxicación etílica de su líder Bon Scott, aunque la leyenda dice que murió ahogado por su propio vómito. Lejos de abandonar, incorporan al inglés Brian Johnson y ese mismo año lanzan Back in black, su mayor éxito y su consagración en Gran Bretaña y Estados Unidos.

AC/DC - Touch too much

"More than three decades into a career that shows no signs of slowing down or letting up, AC/DC, like electricity itself, provides the world with an essential source of power and energy. Since forming in 1973, AC/DC's high voltage rock 'n' roll has flowed out into the world via consistently sold-out concert tours and global sales totaling more than 180 million albums and counting."
Tim Holmes

Sus canciones redondas y pegadizas les han permitido vender más de 180 millones de discos en todo el mundo, 45 de ellos a cargo de Back in black. En 2003 ingresaron en el Rock & Roll Hall of Fame y, aunque siempre hay rumores sobre su retirada, todavía siguen en activo y en plena forma. Dentro del abundante anecdotario, destacar que en el año 2000, aquí en Leganés, se dedicó una calle a AC/DC, a cuya inauguración asistieron los hermanos Young. Dos horas después la placa desapareció y, aunque fue devuelta al poco tiempo, ha sido robada en varias ocasiones, por lo que el Ayuntamiento decidió hacer réplicas para su venta.

En la Biblioteca hay bastantes cd's de rock duro, clásico o actual, nacional o foráneo, y en muchas de las variantes del metal (heavy, alternativo, nu, thrash, rap, power...):

Elmore James, "The King of the Slide Guitar"

2010-01-14T15:10:00.009+01:00

Elmore James

The sky is crying : the history of

Rhino (1993)

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Comenzamos el año con Elmore James, legendario guitarrista y cantante de blues, poseedor de un estilo único rebosante de intensidad y emoción. Conocido como el Rey de la Slide Guitar, James es sin duda un bluesman de referencia en el Delta del Mississippi, a la altura de Robert Johnson, Sonny Boy Williamson II, Muddy Waters o Howlin' Wolf. Según el escritor y crítico musical Robert Palmer:

"Elmore James left a body of recorded music behind him that is very much of a piece. Out of a handful of emblematic Delta guitar riffs, a born bandleader's ensemble sensibility, and an unwavering emotional commitment that was abundantly evident in every line he sang. James fashioned a legacy rich enough to inspire many musical generations to come."

Elmore James - Dust my broom

Elmore James (1918-1963) fue una persona con un carácter difícil, con una vida privada bastante agitada (llegó a casarse en tres ocasiones), y limitado por sus continuos excesos con el alcohol, lo que desembocó en su muerte por infarto con sólo 45 años. En lo musical basta decir que nació en el Delta del Mississippi, donde recibió la notable influencia de Robert Johnson, y ya en 1937 era un guitarrista profesional muy competente. Otra faceta destacada de James es su gran capacidad como "bandleader", siendo uno de los pioneros en 1939 en formar una banda de blues en el Delta. Por esa época empezó a usar la guitarra eléctrica y a descubrir con pasión las nuevas posibilidades que le ofrecían la amplificación y la distorsión. En 1951 llega su consagración con el éxito de Dust my broom, y se traslada a Chicago, donde en 1952 nace su banda The Broomdusters, un conjunto de excelentes músicos ensamblados a la perfección. Seguirán años de mucha actividad, pero su prematura desaparición en 1963 privará a James del reconocimiento público que seguramente hubiese adquirido con el resurgimiento del blues que se produjo en la década de los 60.

Elmore James siempre permanecerá asociado a la "slide guitar", pero sería una injusticia no admitir que fue un artista mucho más creativo y complejo. Su música osciló entre la continuidad y la evolución, y su peculiar técnica en el uso de la amplificación alta anticipa el posterior estilo de la guitarra de rock duro. Además aderezó todo esto con una personalidad enigmática y misteriosa que, según Michael Bromberg, "no matter how much research is done in the future, no one will ever discover the secrets men like Elmore James carry in their souls. And so it should be, for what good is a legend if all its mysteries have been revealed?". Todas estas "virtudes" le permitieron ingresar en 1980 en el Blues Foundation Hall of Fame y en 1992 en el Rock & Roll Hall of Fame.

Elmore James - Shake your moneymaker

The sky is crying es un recopilatorio que incluye 21 temas grabados entre 1951 y 1961, una muestra idónea de la energía y el sonido poderoso de Elmore James. La influencia de James es notoria y también son numerosas las versiones de algunas de sus canciones, como han reconocido artistas de la talla de Eric Clapton, Brian Jones (Rolling Stones), Fleetwood Mac, The Allman Brothers Band, Steve Ray Vaughan, Jimi Hendrix, The Beatles y Grateful Dead.
En la Biblioteca encontrarás discos de blues de diferentes épocas:

Navidades musicales

2009-12-18T10:00:00.002+01:00

Las fiestas navideñas son siempre una época propicia para disfrutar escuchando música y desde la Biblioteca nos gustaría colaborar recomendándote diez de nuestras últimas adquisiciones. La selección es variopinta, para casi todos los gustos, e incluye la banda sonora del concierto de rock más famoso de la historia, una peculiar coplera, un aclamado guitarrista de jazz, un grupo de chicas souleras, las entrañables melodías de la factoría Disney, una banda legendaria de rock sureño, un curioso dúo de ritmos étnicos, un coro de música religiosa, y los recopilatorios de dos ilustres difuntos que nos abandonaron este año. ¡Buen provecho y... Felices Fiestas!

Antonio Vega

Canciones 1980-2009

EMI (2009)

WWW

Antonio Vega - El sitio de mi recreo

VV.AA.

Woodstock

Rhino (2009)

WWW

Joe Cocker - With a little help from my friends

Justin Adams & Juldeh Camara

Tell no lies

Real World (2009)

WWW

Justin Adams & Juldeh Camara - Kele Kele

Lynyrd Skynyrd

Greatest hits

Universal (2008)

WWW

Lynyrd Skynyrd - Sweet home Alabama

Stile Antico

Song of songs

Harmonia Mundi (2009)

WWW

Jacob Clemens non Papa - Ego flos campi

Martirio

25 años : en directo

Nuevos Medios (2009)

WWW

Martirio - En esta tarde gris

Jim Hall

Concierto

Sony (2004)

WWW

Jim Hall - I'm getting sentimental over you

Martha Reeves & The Vandellas

The definitive collection

Motown (2008)

WWW

Martha Reeves & The Vandellas - Dancing in the street

VV.AA.

Disney : the music behind the magic

Walt Disney Records (2006)

WWW

Sleeping Beauty - Once upon a dream

Michael Jackson

The essential

Sony (2005)

WWW

Michael Jackson - Billie Jean

John Coltrane y su ofrenda musical a Dios

2009-11-30T15:00:00.012+01:00

John Coltrane

A love supreme

Verve (2008)

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La historia del jazz tiene grandes nombres propios como Charlie Parker, Louis Armstrong, Duke Ellington o Miles Davis, pero pocos han sido tan controvertidos, complejos e influyentes como el saxofonista John Coltrane. "Trane" representa la "libertad" en el jazz, una personalidad inquieta y creativa que entendía la interpretación como "a whole expression of one's being". Vanguardista y experimental, Coltrane se movió en los terrenos del hard bop, el free jazz y el jazz modal, y su estilo revolucionario marcó las pautas del jazz moderno. Una de sus grandes aportaciones es la autonomía en la extensión del tiempo de los solos, siempre a criterio del intérprete y sus necesidades de improvisación, lo que a menudo producía como resultado piezas de larga duración. También es reconocido por su virtuosismo y una técnica bautizada como "Coltrane changes". Según Miles Davis, "lo que él hace, por ejemplo, es tocar un acorde de cinco notas y después quedarse intercambiándolas, tratando de ver cuántas distintas formas tiene de hacerlas sonar. Es como explicar algo en cinco formas diferentes".

John Coltrane - A love supreme

John Coltrane apenas vivió 40 años, entre 1926 y 1967, siendo la causa de su muerte un cáncer de hígado, en parte provocado por su adicción ocasional al alcohol y la heroína. Sin embargo, esto no le impidió ser un artista muy prolífico que publicó en sólo doce años alrededor de 50 discos, además de numerosas colaboraciones con otros músicos. Coltrane sintió la música desde su infancia, en su propia casa, y gracias a su abuelo, que era reverendo metodista, entró en contacto con los himnos y canciones de la iglesia. Estudió clarinete y saxofón, y entre 1949 y 1950 formó parte de la Dizzy Gillespie's Big Band, trabajando después con músicos como Earl Bostic o Johnny Hodges. Entre 1955 y 1967 se desarrolla su verdadera carrera profesional, una época intensa en la que Coltrane se esforzó en la exploración de nuevas formas de expresión. Entre 1955 y 1960, con algunas interrupciones, perteneció al Miles Davis Quintet, un período de gran creatividad donde participó en la grabación de discos de la talla de Kind of blue. En esta etapa también destaca su colaboración con el pianista Thelonious Monk, además de componer algunas de sus mejores obras, como Blue train o Giant steps. En 1960 Coltrane forma su propio cuarteto y comienza su época más arriesgada y nihilista, sobre todo a partir de 1965 con una cercanía a la corriente avant-garde y un estilo destructivo que parte de la crítica consideró como "anti-jazz".

En el terreno personal, John Coltrane destacó por su implicación en la lucha por los derechos civiles de la población negra. Su música está impregnada de referencias a su constante búsqueda de la trascendencia, debido a que Coltrane era una persona con una fuerte convicción religiosa. En una entrevista concedida en 1962 decía lo siguiente:

"Creo que lo primero que querría hacer un músico sería dar una fotografía al oyente de todas las cosas y sensaciones maravillosas que conoce. Eso es la música para mí, es sólo otra manera de decir que es un universo grande y precioso este que vivimos, que se nos ha dado, y éste es sólo un ejemplo de su grandeza. Eso es lo que quisiera hacer. Creo que es una de las cosas más grandes que se pueden hacer en la vida y todos intentamos hacerlo de alguna manera."

John Coltrane Quartet

A love supreme se grabó originalmente para el sello Impulse! en 1964 y es uno de los discos de jazz más importantes de todos los tiempos, una obra maestra cargada de espiritualidad donde Coltrane expresa su profunda gratitud hacia Dios. Es una pieza lírica dividida en cuatro partes (Acknowledgement, Resolution, Pursuance y Psalm) y basada en un simple acorde de bajo, lo que se traduce en una oda a su fe y amor por Dios (de hecho, la cuarta parte, Psalm, es un arreglo musical de un poema religioso escrito por el propio Coltrane). La grabación corrió a cargo del cuarteto clásico de Coltrane (él al saxo tenor, McCoy Tyner al piano, Jimmy Garrison al contrabajo y Elvin Jones a la batería) y sorprendentemente fue un tremendo éxito comercial, vendiendo en pocos años alrededor de medio millón de copias. Su influencia llega hasta nuestros días y es reconocida por artistas tan dispares como Joshua Redman, John McLaughlin, Bono (U2) o Carlos Santana.

En la Biblioteca hay bastantes cd's para disfrutar con este icono del jazz, tanto discos propios como contribuciones y colaboraciones con otros músicos:

25 años de "White Soul" con Simply Red

2009-11-13T15:00:00.019+01:00

Simply Red

25 : the greatest hits

EQ Music (2008)

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Lo primero que leemos al coger el disco es lo siguiente: "Simply Red, the white soul and pop music legend...". Y efectivamente esta frase describe a la perfección a este grupo británico originario de Manchester, que durante un cuarto de siglo nos ha ofrecido su soul-pop elegante y sofisticado. Con un estilo musical característico del denominado "blue-eyed soul" o "soul blanco", Simply Red ha sido una banda con pocos altibajos, con una carrera bastante exitosa en la que han conseguido vender más de 50 millones de discos en todo el mundo, además de situar 30 de sus canciones dentro del Top 40 de las listas de Reino Unido.

Simply Red - Stars

Hablar de Simply Red es hablar de Mick Hucknall, su carismático y energético líder, cantante y compositor. De las cenizas de un grupo punk llamado Frantic Elevators, Hucknall creó Simply Red a su medida, lo que resulta evidente al comprobar que el nombre de la banda proviene del apodo del pelirrojo artista. En 1985 debutaron con Picture book, recibiendo una gran acogida por parte de crítica y público, además de conseguir su primer número uno en Estados Unidos con Holding back the years. Le siguieron otros discos con excelentes resultados, sobre todo en 1991 con Stars, del cual se vendieron alrededor de 8'5 millones de copias. Otro momento destacado es en 1995 con Life, ya que alcanzaron el número uno en Gran Bretaña con el tema Fairground.

Simply Red - The right thing

Mick Hucknall nos resume en pocas palabras su estrecha relación con la música:

"My 25 year career has generally been a smooth ride. Plenty of highs and not too many lows (...) As for the music, I always attempt to create an original balance between rhythm and melody and a lyric that communicates a feeling that you, the music lover may relate to. In the interpretations of other songwriters I have tried to keep the production and arrangements simple and sincere. In essence I love music, always have, always will."

Simply Red - Fairground

25 : the greatest hits resume en dos cd's la brillante trayectoria de Simply Red a lo largo de 25 años. Incluye la mayoría de sus canciones más conocidas (Stars, Holding back the years, It's only love, The right thing, For your babies, Night nurse, Fake, Angel, Something got me started, Fairground, Money's too tight to mention, If you don't know me by now...), además del tema Go now, una nueva versión de una canción de The Moody Blues. La banda, que se encuentra actualmente de gira, ha anunciado su disolución definitiva en 2010 porque, según Hucknall, "decidimos que 25 años fue suficiente". De hecho Hucknall ya ha comenzado su carrera en solitario publicando Tribute to Bobby, un homenaje al cantante de soul Bobby Bland.

En la Biblioteca encontrarás más música de Simply Red, como su disco Blue (CD 5 SIM) o su recopilatorio It's only love (CD 5 SIM).